Kammerkonzert

Lebensdaten des Komponisten
März 1678 in Venedig – 28. Juli 1741 in Wien
Entstehungszeit
Erstes Drittel des 18. Jahrhunderts in Venedig
Uraufführung
Unbekannt, vermutlich am Ospedale della Pietà in Venedig

Der Violinvirtuose und Komponist Antonio Vivaldi war in vielerlei Hinsicht außergewöhnlich, nicht zuletzt wegen seiner äußeren Erscheinung. So brachten die auffälligen roten Haare dem zum Priester geweihten Musiker den Spitznamen »il prete rosso« ein, der rote Priester. Ebenfalls unkonventionell war das von ihm als »maestro de' concerti« geleitete Frauenorchester am Waisenhaus Ospedale della Pietà in Venedig, seiner wichtigsten Wirkungsstätte. Sein Vertrag sah es vor, dass er »für unsere Mädchen […] Concerti für alle Arten von Instrumenten« zu verfassen hatte und diese mit seinen Schülerinnen auch einstudieren sollte. Rund 400 Konzerte für ein oder mehrere Soloinstrumente und Orchester sind von ihm überliefert.

Die von Vivaldi weiterentwickelte, oft dreisätzige italienische Konzertform gilt als Idealtypus der barocken Gattung. Charakteristisch für die Ecksätze ist das lebendige, spannungsvolle Wechselspiel zwischen Orchester- und Solopassagen. Am Anfang und Ende stellt das Orchester das Hauptthema vollständig vor, aus dem es in den dazwischenliegenden, harmonisch bunt variierenden Zwischenspielen, den Orchesterritornellen, Ausschnitte aufgreift. In den fantasievollen Soloepisoden spinnen ein oder mehrere Instrumente die Musik weiter. Die langsamen Mittelsätze sind von den Solostimmen dominiert, während das Orchester in die Rolle der Begleitung zurücktritt. Dieses Grundmodell variierte Vivaldi auf vielfältige Weise, weshalb in Igor Strawinskys Bemerkung, Vivaldi hätte hundertmal dasselbe Konzert geschrieben, mehr Sarkasmus als Wahrheit steckt.

Ein schöner Beweis seiner musikalischen Originalität ist das heute gespielte Konzert für zwei Oboen d-Moll RV 535. Mit seinen vier Sätzen folgt es dem in der Barockzeit ebenfalls beliebten Modell der Kirchensonate, das stets die Satzfolge langsam – schnell – langsam – schnell aufweist. Das Werk entstand während Vivaldis Zeit am Ospedale della Pietà und ist daher wahrscheinlich auf das weibliche Hausorchester zugeschnitten. Auffällig ist der kantable Stil des Konzerts, wie er für die barocke Instrumentalmusik nicht untypisch ist. So gleicht etwa der dritte Satz Largo einem Lamento mit zwei in sich verschlungenen Solostimmen.

Eher typisch für Vivaldis dreisätziges Standardmodell ist das Konzert für Violine und Violoncello B-Dur RV 547. Markante Orchestertutti gliedern in den raschen Ecksätzen den Ablauf, in den Soloepisoden duettieren dann die beiden Instrumente miteinander, indem sich ihre Stimmen zu jagen scheinen. Ganz anders ist das Klangbild des Mittelsatzes gestaltet: Violine und Violoncello schwelgen zunächst in imitatorischen Echos und schließlich in trauter Union über eine fast zu ›süße‹ Melodie aus lieblichen, parallel geführten Dezimen. Wahrscheinlich waren es solche Eingebungen, mit denen Vivaldi zu Lebzeiten so ungeheuren Eindruck machte.

Lebensdaten des Komponisten
Februar 1743 in Lucca – 28. Mai 1805 in Madrid
Entstehungszeit
1796, vermutlich in Madrid
Uraufführung
Unbekannt

»Wie ein Gedicht, wie ein Traum, wie ein Parfum« sei die Musik Luigi Boccherinis, schwärmte dessen Zeitgenosse, der französische Dichter Charles-Julien Lioult de Chênedollé. Der im toskanischen Lucca geborene Komponist war ein begnadeter Cellist, der seine Kunstfertigkeit vielfach in seiner Heimat und bei Konzerten in Wien, Nizza und Paris präsentierte. 1770 ließ er sich in Madrid nieder, wo er als Kammerkomponist des spanischen Infanten Don Luis Antonio de Borbón y Farnesio und nach dessen Tod als Kapellmeister der Gräfin von Benavente und Herzogin von Osuna wirkte. Des Weiteren bestellte auch der preußische König Friedrich Wilhelm II. bei ihm einige Kompositionen. In der Musikgeschichte setzte sich Boccherini vor allem damit ein Denkmal, dass er das Streichquartett mit einem zweiten Violoncello zum Quintett erweiterte und so eine neue Gattung schuf. Mit zwölf Beiträgen prägte er neben Joseph Haydn zudem das klassische Cellokonzert maßgeblich mit.

Über seine Kunst meinte Boccherini einmal: »Ich weiß gut, dass die Musik dazu dient, zum Herzen des Menschen zu sprechen, und das versuche ich zu erreichen, wenn ich kann. Die Musik ohne Affekte und Leidenschaften ist bedeutungslos.« In diesem Sinn zeigen alle seine Werke ein feines Gespür für Melos, Dramatik und Tempo, auch das 1796 komponierte Trio für zwei Violinen und Violoncello d-Moll. Der harmonische Farbenreichtum zeigt sich nicht nur im Kopfsatz, sondern sogar im Minuetto, das traditionell meist einfacher gehalten ist. Dabei muss man bedenken, dass Boccherinis d-Moll-Trio bereits zu Hochzeiten der Wiener Klassik und in den Anfangstagen der frühromantischen Musiksprache entstand. Der gewandelte Geschmack offenbart sich besonders in den ›empfindsamen‹ Themen des Larghetto. Das Finale hingegen vereint tänzerische mit dramatischen Elementen auf ganz eigene Weise und deutet damit bereits auf Johannes Brahms und Antonín Dvořák hin.

Lebensdaten des Komponisten
März 1684 in Frattamaggiore – 30. September 1755 in Neapel
Entstehungszeit
Um 1740 in Neapel
Uraufführung
Unbekannt

Den Neapolitaner Francesco Durante kennt man meist nur als Lehrer der einflussreichen Opernkomponisten Giovanni Battista Pergolesi und Giovanni Paisiello. Das erscheint umso erstaunlicher, da er selbst offenbar gar keine Bühnenwerke schrieb. Sein Wirkungskreis war die Kirchenmusik, die er mit einer neuen Kantabilität durchflutete und vermutlich deshalb Pergolesi und Paisiello inspirierte. Als geschätzter Lehrmeister der »Neapolitanischen Schule« in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts machte sich Durante einen Namen, denn er wirkte an berühmten Konservatorien wie Sant’Onofrio, Poveri di Gesù Cristo und Santa Maria di Loreto. Die italienische Musik galt damals als Vorbild eines Stils, der Virtuosität mit melodischer Leichtigkeit verband. Auch Joseph Haydn und Wolfgang Amadeus Mozart waren davon begeistert.

Neben Vokalmusik hinterließ Durante mehrere Instrumentalwerke, darunter vierstimmige Konzerte – sogenannte »Concerti per quartetto«, die als Vorbilder sowohl für Orchesterwerke als auch für das Streichquartett gelten. Dass diese Stücke weit über Italien hinaus geschätzt wurden, beweisen ihre in ganz Europa verbreiteten Abschriften. Durantes um 1740 komponiertes Quartett-Konzert f-Moll wirkt bereits wegen seiner Tonart schwermütig. Im Kopfsatz (Un poco Andante) kommt zudem der Kirchenmusiker zum Vorschein, denn die schmerzerfüllte Chromatik erinnert fast an eine Passionsmusik. Dicht gearbeitet und zugleich pathetisch klingt der fugierte zweite Satz (Allegro), während das mittlere Andante an ein erzählendes Cantabile erinnert. Danach folgen noch zwei weitere Sätze in diesem insgesamt fünfteiligen Konzert: Ein Amoroso setzt auf einen aufgefächerten und in den Solo-Violinen ›lieblich‹ singenden Streicherklang, während das Finale (Allegro) von unruhigen Synkopen durchzogen ist. Empfindsamkeit und kompositorische Arbeit halten sich in dieser Musik stets die Waage, und genau dafür wurde Durante zeitlebens von seinem Schülerkreis verehrt.

Lebensdaten des Komponisten
1728 – 14. Dezember 1762 in Stuttgart
Entstehungszeit
Vermutlich nach 1754
Uraufführung
Unbekannt

Über den katalanischen Komponisten José Pla, der einer traditionsreichen Musikerfamilie entstammte, ist nur wenig bekannt. Offenbar wirkte er am spanischen Hof und konzertierte mit seinem älteren Bruder Joan Baptista in verschiedenen Städten Europas. Letzterer war ein gefeierter Oboist, der später in Lissabon und am Stuttgarter Hof wirkte, wo den spärlichen Quellen nach zu urteilen auch José tätig war. Die Brüder komponierten zusammen zahlreiche Werke, wobei der Anteil der jeweiligen Autorschaft schwer voneinander zu trennen ist. Auch die heute gespielte Triosonate d-Moll existiert in zwei ähnlichen Versionen, eine davon erschien 1754 in London mit weiteren fünf Triosonaten als ausgewiesenes Geschwister-Werk der Pla-Brüder. Heute wird die Sonate jedoch in einer José Pla zugeschriebenen Fassung aufgeführt.

In solchen Triosonaten stehen zwei Solostimmen einer Bassstimme gegenüber, wobei es durchaus üblich war, diese untere Stimme – den Generalbass – auch mit zwei oder sogar drei Instrumenten zu besetzen. Pla lässt die beiden Solostimmen in vielfältigen Varianten miteinander spielen, Frage-Antwort-Motive, imitatorische Stimmeinsätze und passgenaues Zusammenspiel wechseln sich ab. Die Brüder interpretierten ihre Musik meist selbst, wobei Joan Baptista Oboe und José entweder ein zweites Blasinstrument oder auch Violine spielten. Das würde zur heute gespielten Version der d-Moll-Triosonate passen, die Oboe und Violine als Soloinstrumente vorsieht.

Lebensdaten des Komponisten
März 1681 in Magdeburg – 25. Juni 1767 in Hamburg
Entstehungszeit
Komponiert vor 1733 (Erstdruck) in Hamburg
Uraufführung
Unbekannt

Zu seinen Lebzeiten galt Georg Philipp Telemann als bedeutendster Komponist Deutschlands. Schon früh entdeckte der in Magdeburg geborene Sohn eines Pastors seine Leidenschaft für die Musik, erlernte eine erstaunliche Vielzahl an Streich- und Blasinstrumenten und eignete sich das Komponieren autodidaktisch an, indem er bewunderte Musik nach den Partituren studierte.

Während seines eher halbherzig begonnenen Jurastudiums in Leipzig gründete Telemann 1701 das Collegium musicum, ein Studentenorchester. Mit ihm führte er damals auch Opern auf, was den Bürgermeister der Stadt so beeindruckte, dass er den jungen Musiker zum »Director musices« und Organisten an der Neuen Kirche in Leipzig ernannte. Sein weit über die Stadtgrenzen reichender Ruf sorgte dafür, dass führende Höfe Telemann abzuwerben versuchten. Als Kapellmeister des Herzogs von Sachsen-Eisenach lernte er den in Weimar wirkenden Johann Sebastian Bach kennen und wurde Taufpate von dessen zweitem Sohn Carl Philipp Emanuel.

Im Jahr 1721 erfolgte der weiteste Sprung seiner Karriere: Telemann wurde als Kantor und Musikdirektor nach Hamburg verpflichtet. Dort betreute er die Kirchenmusik an den fünf Hauptkirchen, wirkte als Lehrer am Johanneum, leitete die berühmte Oper am Gänsemarkt und ein Collegium musicum. Das kurze Zeit später eintreffende Angebot, Leipziger Thomaskantor zu werden, schlug Telemann aus, nicht zuletzt, da die Hamburger sein Gehalt aufstockten und ihn so an der Elbe hielten, während die Leipziger enttäuscht auf die ›zweite Wahl‹ zurückgriffen: So kam Bach zum Zug.

In seinen Werken verband Telemann italienische, französische und deutsche Stile im Sinne des europäischen »vermischten Geschmacks«, der ein Ideal der Zeit war. Seine Tonsprache besitzt aber auch eine galante Lockerheit, nicht unähnlich der des in England wirkenden Georg Friedrich Händel, mit dem Telemann ebenfalls befreundet war. Die Sammlung Tafelmusik stellt die Quintessenz seiner Instrumentalmusik dar und erschien 1733 im Hamburger Eigenverlag unter dem französischen Titel Musique de table. Ihre drei Bände enthalten Orchester- und Kammermusik, die zu repräsentativen Diners wie der traditionellen Matthiae-Mahlzeit des Hamburger Rates gespielt werden konnte. In Zeiten, als sich das moderne Konzertwesen mit seiner Konzentration auf den ›reinen‹ Musikkonsum erst herausbildete, war diese Darbietungsform, bei der Musik mit leiblichen Genüssen kombiniert wurde, noch durchaus weit verbreitet.

Jeden der drei Bände der »Tafelmusik« eröffnet eine halbstündige Suite. Die letzte davon steht in B-Dur und offenbart eine besonders große Vielfalt an musikalischen Charakteren. So folgt der grazil-schwungvollen Ouvertüre im französischen Stil eine pastorale Bergerie und später das mit lustigen Fanfaren eine Kutschfahrt malende Stück Postillons. Ein weiterer Höhepunkt ist die spritzige Badinage, unter deren Namen man ein scherzhaftes Charakterstück verstand. Neben zwei Solo-Violinen konzertieren zwei agile Oboen in dieser ansonsten nur mit Streichern und Generalbass besetzen Suite. Telemanns Tafelmusik war auch in Frankreich erfolgreich und trug ihm eine Einladung nach Paris ein, das den deutschen Musiker gerne empfing.