James Gaffigan & Janine Jansen

»Ich weiß nicht, ob es schon eine amerikanische Musik gibt«, schrieb der deutsch-amerikanische Musikwissenschaftler Alfred Einstein Mitte des vorigen Jahrhunderts. »Wenn es eine gibt, so wäre ich für eine präzise Definition dankbar, welches die Merkmale amerikanischer Musik eigentlich sind. Aber ich weiß, dass es eine amerikanische Musik geben wird, wenn ein paar große Musiker in Amerika einmal ganz große Musik geschaffen haben werden, ohne viel nach ihrem Gehalt an Amerikanismus gefragt zu haben.« Ganz große Musik – sie ist zweifellos auch in den USA geschrieben worden. Im Gegensatz zu den diversen Spielarten der europäischen Nationalstile wäre es allerdings unmöglich, ihre Merkmale auf einen gemeinsamen Nenner zu bringen – zu disparat ist das Bild, das sich hier ergibt. Zudem war die Abhängigkeit von den europäischen Vorbildern groß: Noch 1892 hatte Antonín Dvořák mit seiner Symphonie Aus der Neuen Welt zur Bildung einer nationalen Musikrichtung beitragen sollen.

Doch obwohl die Rezensenten aller New Yorker Zeitungen die triumphale Premiere am 16. Dezember 1893 in der Carnegie Hall als Beginn der »amerikanischen Kunstmusik« feierten, studierten die Komponisten auch weiterhin im europäischen Ausland – vor allem am Pariser Conservatoire américain de Fontainebleau in Paris bei Nadia Boulanger, weshalb das liebevoll-ironische Wortspiel der »Boulangerie« (franz. Bäckerei) damals die Runde machte: »Jede amerikanische Stadt hat einen Ramschladen und einen Schüler der Boulanger« (Virgil Thomson). Dabei hatte Ralph Waldo Emerson bereits 1852 gefordert, »eine Unabhängigkeitserklärung in der Kunst zu formulieren und eine amerikanische Schule der Malerei, Bildhauerei und Musik zu gründen«. Letztere erwies sich schließlich als ungemein vielschichtig, da sich die diversen in die USA getragenen Einflüsse so weit verzweigt haben, wie in kaum einem anderen Land.

Lebensdaten des Komponisten:
11. Mai 1895 in Woodville / Mississippi – 3. Dezember 1978 in Los Angeles
Entstehungszeit: 1943 als zweiter Satz der Suite für Violine und Klavier
Uraufführung: 1944 in Boston (Suite für Violine und Klavier)

William Grant Still war der erste Afroamerikaner, von dem ein großes amerikanisches Orchester eine Symphonie aufführte. Howard Hanson, der am 29. Oktober 1931 bei diesem Ereignis am Pult des Rochester Philharmonic Orchestra stand, dirigierte das Werk mit dem Titel Afro-American Symphony auch in Europa – in einem Sonderkonzert der Berliner Philharmoniker im Januar 1933. Still schrieb neben acht Symphonien, sieben Opern (zu denen seine Frau Verna Arvey die Libretti verfasste) und über hundert Konzert- und Kammermusikwerken auch die Musik für den Bing-Crosby-Film Pennies from Heaven von 1936 sowie für viele weitere Hollywood-Streifen und Fernsehproduktionen. 1938 trat er im Hollywood Bowl vor das Los Angeles Philharmonic Orchestra und war damit der erste afroamerikanische Musiker, der in den Vereinigten Staaten ein großes Orchester dirigierte. Still wurde mit acht Ehrendoktortiteln ausgezeichnet und erhielt Stipendien und Aufträge von Organisationen wie der Guggenheim- und der Rosenwald-Stiftung. 1955 übernahm er die Position des Chefdirigenten bei der New Orleans Philharmonic Society an der Southern University.

Geboren 1895 in Woodville im US-Bundesstaat Mississippi, wuchs Still in Little Rock (Arkansas) auf. Während seine Großmutter ihr Leben noch als Sklavin auf einer Plantage in Georgia verbringen musste, hatten beide Eltern Hochschulabschlüsse und arbeiteten als High-School-Lehrer. 1911 immatrikulierte sich Still an der Wilberforce University in Ohio, wo er ein Streichquartett gründete und zu dirigieren begann. 1916 hatte er das Glück, dass »W. C.« Handy auf ihn aufmerksam wurde, der als erster die Musik der Arbeiter auf den Baumwollfeldern verschriftlichte, arrangierte und publizierte: »Ich fand dort eine unbestreitbare Farbe und eine musikalische Atmosphäre, die direkt aus dem Volk stammte« (Still). Nach einer Zeit am Oberlin Conservatory wirkte Still als Oboist in Shuffle Along mit, dem ersten »All black musical« am Broadway, das zur Zeit der »Harlem Renaissance« immer größeren Erfolg hatte – auch, weil die Musiker zunehmend improvisierten, so dass sich am Ende einer Aufführungsserie die Musik stark von der Originalpartitur unterschied. Still studierte zudem bei George Chadwick, dem damaligen Präsidenten des New England Conservatory, sowie später bei Edgard Varèse in New York. Dieser machte ihn mit einflussreichen Musikern wie Howard Hanson und Leopold Stokowski bekannt und half dabei, dass seine Werke in den Konzerten der International Composers‹ Guild aufgeführt wurden.

In den späten 1920er Jahren begann Still bei CBS Radio eine Karriere als Orchestrator und Arrangeur, unter anderem für das Orchester von Don Voorhees, die Sängerinnen Ethel Waters und Sophie Tucker sowie für den Jazz-Klarinettisten und Bandleader Artie Shaw: Das Arrangement von Shaws größtem Erfolg Frenesi stammt aus seiner Feder. Trotz dieser Erfolge im »populären« Bereich galt Stills Hauptinteresse weiterhin der »ernsten« Musik. 1934 erhielt er ein Guggenheim-Stipendium, kurz danach zog er nach Los Angeles, wo er für den Rest seines Lebens wohnen sollte. Hier entstanden neben Opern wie Blue Steel, Troubled Island und A Bajou Legend viele konzertante Werke, Suiten sowie weitere Symphonien, unter anderem die Zweite (Song of a New Race) und Fünfte (Western Hemisphere).

Zu den wichtigsten Verbindungen in der Karriere von William Grant Still gehörte seine langjährige Freundschaft mit dem berühmten US-Geiger Louis Kaufman, der zusammen mit seiner Frau, der Pianistin Annette Kaufman, als Duo auftrat. Für beide komponierte Still 1943 eine Suite für Violine und Klavier, die – da die Kaufmans bekannte Kunstsammler waren – von den Arbeiten dreier bildender Künstler afroamerikanischer Abstammung inspiriert wurde: der erste Satz von Richmond Barthés Gipsskulptur African Dancer, der dritte von Augusta Savages Bronzebüste Gamin (Straßenjunge). Der zentrale zweite Satz der Suite widmet sich Mother and Child von Sargent Johnson. Als erster afroamerikanischer Maler und Bildhauer von der Westküste erlangte Johnson mit seiner von Vereinfachung, Abstraktion, Dichte und figurativen Formen geprägten Bildsprache landesweite Anerkennung.

Seine heute im Museum of Modern Art in San Francisco aufbewahrte Farblitographie Mother and Child zeigt eine große weibliche Figur, die von einem Kind umarmt wird: eine Szene voller Liebe, Geborgenheit und Trost. Mit ihr wollte Johnson die »natürliche Schönheit und Würde« des afroamerikanischen Menschen zum Ausdruck bringen. Für seine musikalische Adaption erfand Still ein eingängiges Thema, das von einer kreisenden Triolen-Figur eingeleitet wird und die Filmmusik der »goldenen Jahre« in Hollywood aufzugreifen scheint. Nach einem bewegteren Mittelteil kehrt das Stück zur ausgeprägten Lyrik des Beginns zurück. Der Komponist hat es später zusammen mit den beiden anderen für Streichorchester arrangiert.

Lebensdaten des Komponisten: 8. September 1841 in Nelahozeves (bei Prag) – 1. Mai 1904 in Prag
Entstehungszeit: 1894/1895
Uraufführung: 1. März 1910 in Prag durch die Tschechische Philharmonie unter der Leitung von Karel Kovařovic

Es war ein Angebot, das man nicht ablehnen konnte: Als die ehemalige Klavierpädagogin und New Yorker Millionärsgattin Jeannette Thurber für ihr neu gegründetes National Conservatory of Music einen Direktor suchte und dafür jährlich 15.000 Dollar bot, schlug Antonín Dvořák ein. Schließlich verdiente der Familienvater, der für sechs Kinder zu sorgen hatte, so das 25-Fache seines Prager Professorengehalts. An der Institution – der Name war Programm – sollte Musikerinnen und Musikern auch innerhalb der USA eine fundierte Ausbildung ermöglicht werden. Dass also bei der Besetzung des Direktorenpostens die Wahl auf Dvořák fiel, mag aus heutiger Sicht überraschen. Allerdings schien der in den USA bereits bekannte tschechische Komponist nahezu ideale Voraussetzungen mitzubringen, da er schon in seiner Heimat durch den Rückgriff auf die Volksmusik zur Begründung einer nationalen – tschechischen – Schule beigetragen hatte: »Die Amerikaner erwarten große Dinge von mir, vor allem soll ich ihnen den Weg ins gelobte Land und in das Reich der neuen, selbstständigen Kunst weisen, kurz, eine nationale Musik schaffen!«

Um diesem Ziel näher zu kommen, begann Dvořák die musikalischen Wurzeln des neuen Kontinents zu erforschen: indigene und afroamerikanische Musik sowie die traditionellen Lieder eingewanderter Iren und Schotten – schließlich könne ein Komponist nur so »die wirklichen Gefühle eines Volkes ausdrücken«. Und weiter: »In den Spirituals finde ich alles, was für eine bedeutende Schule der Musik nötig ist. Sie sind pathetisch, zart, leidenschaftlich, melancholisch, feierlich, religiös, verwegen, lustig und fröhlich.« Zu diesem Zeitpunkt hatte Dvořák die Arbeit an seiner Neunten Symphonie bereits beendet, einem Werk, in dem er erklärtermaßen versucht hatte, mit »deutlich amerikanischen« Mitteln zu komponieren. Zu diesen gehörten die auf einer fünfstufigen Ganztonreihe basierende Melodiebildung (Pentatonik), Liegetöne, Synkopierungen (Verschiebungen der metrischen Schwerpunkte von betonten auf ursprünglich unbetonte Taktteile), das Wiederholen immer desselben Rhythmus (Ostinati) sowie die rhythmisch synkopische Besonderheit des sogenannten »scotch snap«: ein punktierter Rhythmus in der Abfolge lang-kurz-kurz-lang, der über die großen Einwanderungswellen in die USA gelangt war.

Natürlich komponierte Dvořák auch andere Werke in den USA, etwa das Amerikanische Streichquartett in F-Dur und die Amerikanische Suite in A-Dur. Letztere entstand knapp drei Wochen nach dem Premierenerfolg der Symphonie Aus der Neuen Welt Anfang 1894 in New York – zunächst als Klaviersuite, bevor Dvořák sie später orchestrierte. Für zyklische Geschlossenheit sorgt in diesem eingängigen Werk, in dem sich ebenfalls alle damals als typisch »amerikanisch« wahrgenommenen Charakteristika finden, die Verklammerung des Eröffnungsstücks mit dem wirbelnden Epilog, einer Gavotte mit pentatonischem Hauptthema.

Doch trotz aller Momente raffiniert-stilisierter Folklore ist Dvořáks Amerikanische Suite keine »amerikanische« Musik, da die verwendeten Mittel als generelle Merkmale musikalischer Folklore auch in vielen anderen Kulturkreisen anzutreffen sind: Das Stück ist ebenso fest in der böhmischen Musiktradition verwurzelt wie die übrigen Werke Dvořáks. Allerdings – und das ist das Erstaunliche – haben innerhalb der Musikgeschichte Publikum und Kritiker immer wieder das gehört, was sie hören wollten, weshalb die gleichen Dudelsackquinten bei Chopin als »polnisch«, bei Grieg aber als »norwegisch« empfunden wurden. »Ein Historiker«, schrieb Carl Dahlhaus in seinem Aufsatz Die Idee des Nationalismus in der Musik, »muss die Tatsache, dass der nationale Charakter eines Stückes Musik intendiert und geglaubt worden ist, als ästhetisches Faktum akzeptieren, mag auch die stilistische Analyse – der Versuch, die ästhetische Behauptung durch musikalische Merkmale zu ›verifizieren‹ – ohne Resultate bleiben.« Und weiter: »Was als national gilt und was nicht, scheint […] primär […] von einer kollektiven Entscheidung abzuhängen.«

Lebensdaten des Komponisten: 25. August 1918 in Lawrence / Massachusetts – 14. Oktober 1990 in New York
Entstehungszeit: 1954
Uraufführung: 12. September 1954 im Teatro La Fenice in Venedig; Leonard Bernstein dirigierte das Orchestra del Teatro La Fenice, Solist war Isaac Stern.

»For me every music is serious.« So lautete das musikalische Credo Leonard Bernsteins, der mit allen nur denkbaren Stilen experimentierte, um zwischen Broadway, Jazz, Avantgarde und klassisch-romantischen Traditionen zu vermitteln. Bereits in jungen Jahren machte der Dirigent, Komponist, Pianist und Fernsehmoderator in Personalunion in den unterschiedlichsten Genres auf sich aufmerksam, etwa 1944, als neben seiner Ersten Symphonie Jeremiah auch das Ballett Fancy Free sowie das Broadway-Musical On the Town uraufgeführt wurden, das die New York Times als »das charmanteste Musical seit der goldenen Ära von Oklahoma« feierte.

Auf Bernsteins Oper Trouble in Tahiti sowie das Broadway-Stück Peter Pan von 1950 folgte Wonderful Town (1953), das den damaligen Zeitgeist der pulsierenden Metropole New York in schmissigen Melodien auf die Bühne brachte – ganz ähnlich wie in West Side Story, Bernsteins erfolgreichstem Musiktheaterwerk. Auch die Dirigentenkarriere Bernsteins nahm schnell an Fahrt auf, nicht zuletzt als er 1958 zum Chef des New York Philharmonic Orchestra ernannt wurde – als erster Amerikaner und jüngster Orchesterleiter, der diese Position je übernommen hatte.

Seine 1954 nach der Lektüre von Platons Symposion komponierte Serenade beschrieb Bernstein als eine »Reihe zusammenhängender Aussagen zum Lob der Liebe«: ein Werk in fünf Sätzen, denen die Namen der einzelnen im Text auftretenden Redner vorangestellt sind, wobei die Solovioline die Rolle des »führenden Sprechers« einnimmt (Bernstein). Die antike Geschichte erzählt von einem Festessen im Haus des Tragödiendichters Agathon. Gäste und Gastgeber nehmen an einem Debattierwettstreit teil, bei dem verschiedene Aspekte der Liebe diskutiert werden. Anwesend sind (neben anderen, in Bernsteins Werk nicht genannten Personen) der »hypochondrische Literat« Phaidros, der Philosoph Sokrates, der Sophistiker Pausanias, der Komödiendichter Aristophanes, der Arzt Eryximachos sowie der Krieger und Staatsmann Alkibiades, Freund und Schüler des Sokrates.

Nachdem Phaidros die Reihe der Sprecher mit einer Hymne auf Eros, den Gott der Liebe, begonnen hat – ein Fugato der Solovioline, das vom Streichorchester aufgegriffen wird –, folgen die Ausführungen des Pausanias, in denen das ideale Verhältnis zwischen den Liebenden thematisiert wird. Der zweite Satz handelt davon, wie Aristophanes den Mythos von der kugelförmigen Urgestalt des Menschen mit vier Armen, vier Beinen und zwei Gesichtern erzählt, die von den Göttern in zwei Hälften getrennt wurde: Nur Eros könne dem Menschen seitdem Heilung bringen, indem er die ursprünglich zusammengehörenden Hälften in der Liebe wieder zueinander finden lasse.

Nach der Rede des Eryximachos von körperlicher Harmonie – musikalisch gefasst in einem kontrastreichen Presto – folgt als vierter Satz der Beitrag des Gastgebers, in dem Bernstein »den vielleicht bewegendsten Vortrag im Dialog« sah: »Agathons Lobpreisung bezieht alle Aspekte der Macht, der Reize und der Funktionen der Liebe ein. Der Satz ist in einfacher dreiteiliger Liedform geschrieben.« Über das Finale, den fünften Satz, äußerte sich der Komponist: »Sokrates beschreibt seinen Besuch bei der Seherin Diotima und zitiert ihre Rede zur Lehre von der dämonischen Liebe.« Als Alkibiades und seine betrunkenen Zechgenossen stören, beginnt der abschließende Rondo-Teil, in dem die Musik schließlich über jazzartige Tanzrhythmen zur fröhlichen Feststimmung zurückfindet. »Wenn in diesem Fest eine Andeutung von Jazz enthalten ist«, so Bernstein, »wird das hoffentlich nicht als anachronistische griechische ›Party-Music‹ verstanden werden, sondern als die natürliche Ausdrucksweise eines zeitgenössischen amerikanischen Komponisten, der von dem Geist jener zeitlosen Abendgesellschaft erfüllt ist.«

Lebensdaten des Komponisten: 26. September 1898 in Brooklyn / New York – 11. Juli 1937 in Los Angeles
Entstehungszeit: 1928
Uraufführung: 13. Dezember 1928 in der Carnegie Hall, New York, mit dem New York Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Walter Damrosch

Es war der »amerikanische Traum«, der für die russisch-jüdische Einwandererfamilie Gershovitz in Brooklyn in Erfüllung gehen sollte: 1918 landete ihr Sohn George Gershwin mit dem Song Swanee seinen ersten großen Hit und avancierte bald zu einem bekannten Broadway-Komponisten. Der Erfolg seiner Rhapsody in Blue, die der Konzertunternehmer und Bandleader Paul Whiteman geschickt als »experiment in modern music« vermarktet hatte, war bei der New Yorker Premiere am 12. Februar 1924 überwältigend. Die Uraufführung von Gershwins Oper Porgy and Bess am 30. September 1935 im Bostoner Colonial Theatre bedeutete seinen endgültigen Durchbruch. »Gershwin«, so der Rezensent des Boston Globe, »ist einen weiten Weg von der Tin Pan Alley [der 28. Straße zwischen Fifth Avenue und Broadway im New Yorker Stadtteil Manhattan, wo sich das Zentrum der amerikanischen Schlagerindustrie befand] zu dieser Oper gegangen. Nun müssen wir ihn endlich als einen ernsthaften Komponisten anerkennen.«

Sieben Jahre zuvor war Gershwin zu einer ausgedehnten Europareise aufgebrochen, von der er eine besondere Partitur mit nach Hause brachte: An American in Paris. Das Auftragswerk der New Yorker Philharmoniker, das am 13. Dezember 1928 mit Walter Damrosch am Pult in der Carnegie Hall Premiere hatte (für die der Perfektionist Gershwin echte Taxihupen aus Paris hatte kommen lassen), erinnert als »Film in Tönen« an Techniken wie Überblendung, Schnitt und wechselnde Kameraeinstellungen. Dementsprechend verfasste der mit Gershwin befreundete Komponist und Kritiker Deems Taylor eine Beschreibung der in der Musik dargestellten »Handlung«, die sich wie ein Drehbuch liest: Ein Amerikaner besucht Paris und schlendert an einem »sonnigen Morgen im Mai oder Juni« beschwingt über die Champs-Élysées. »Frisch und munter, voll Tatendrang, bricht er auf – das ist das ›erste Spazier-Thema‹, ein unkompliziertes, diatonisches Lied, Ausdruck unbekümmerten Esprits.«

Plötzlich wird alles vom Verkehrslärm übertönt, wobei den Amerikaner »französische Taxis besonders zu unterhalten scheinen, worauf das Orchester mit vier kurzen Episoden hinweist, in denen man das Hupen der Pariser Taxis deutlich vernehmen kann. Nachdem unser Amerikaner den Taxis ausgewichen ist, kommt er an einem Café vorbei, in dem, wenn man der Posaune Glauben schenken will, La Maxixe immer noch sehr populär ist« (ein Anfang des 20. Jahrhunderts beliebter brasilianischer Tanz). Der Amerikaner, so Taylor weiter, gerät wieder in das heillose Großstadt-Durcheinander, aus dem er sich in die stille Beschaulichkeit einer Kathedrale flüchtet. Während seines weiteren Spaziergangs läuft ihm noch eine Blaskapelle über den Weg, bis der Protagonist plötzlich Heimweh bekommt. Zufällig trifft er einen Landsmann, mit dem er heftig über die Vorzüge der französischen Metropole diskutiert. Gershwin selbst sagte von seinem Werk, es sei das Modernste, das er bislang geschrieben habe: eine ungemein atmosphärische Musik voller unwiderstehlicher Melodien, Zitate und collageartiger Montagen, die tatsächlich voll und ganz auf der Höhe ihrer Zeit war.

Die niederländische Geigerin Janine Jansen gehört zu den Ausnahmetalenten ihrer Generation. In eine Musiker-Familie hineingeboren, trat sie mit zehn Jahren zum ersten Mal öffentlich auf. Ihrem ersten Unterricht bei Coosje Wijzenbeek folgte ein Studium bei Philippe Hirschhorn am Utrechts Conservatorium, das sie mit Auszeichnung abschloss. Janine Jansen arbeitete seitdem mit namhaften Dirigenten wie Frans Brüggen, Riccardo Chailly, Valery Gergiev, Paavo Järvi und Daniel Harding, sowie mit führenden Orchestern wie den Berliner Philharmonikern, dem Concertgebouworkest Amsterdam, dem London Symphony Orchestra, dem Tonhalle-Orchester Zürich, dem Orchestra dell‹Accademia Nazionale di Santa Cecilia und dem Oslo Philharmonic Orchestra zusammen.

Seit 2003 tritt Janine Jansen regelmäßig bei den BBC Proms auf. Zu den Highlights dieser Saison zählen neben einer Vielzahl an Projekten im Wiener Musikverein mit Janine Jansen als »Artist in Focus« eine große USA-Tournee mit dem London Symphony Orchestra unter der Leitung von Antonio Pappano, europäische Tourneen mit dem Concertgebouworkest unter Klaus Mäkelä sowie mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen unter Paavo Järvi. Janine Jansen setzt ferner ihre künstlerische Kooperation mit der Camerata Salzburg wie auch mit der Amsterdam Sinfonietta fort, mit der sie im Herbst 2024 eine Tournee durch Südamerika unternommen hat.

Ebenso vielseitig und umfangreich wie ihre Konzerttätigkeit ist ihre Diskographie. Seit ihrem Debütalbum mit Vivaldis Vier Jahreszeiten von 2003 hat sie einen großen Teil ihres breiten, vom Barock bis zur zeitgenössischen Musik reichenden Repertoires eingespielt. Ein besonderes Projekt stellt ihr Album 12 Stradivari dar: Mit einem von ihr selbst zusammengestellten Repertoire erkundet Janine Jansen auf diesem Album die individuellen Qualitäten von zwölf Instrumenten des berühmten Geigenbauers. Ihre letzte CD mit dem Ersten Violinkonzert von Prokofjew und jenem von Sibelius mit dem Oslo Philharmonic Orchestra unter Klaus Mäkelä wurde international hoch gelobt.

Neben ihrer solistischen Tätigkeit gilt ihr Augenmerk der Kammermusik. Zu ihren künstlerischen Partnern zählen u. a. Mischa Maisky, Emmanuel Pahud, Itamar Golan und Gidon Kremer. 2003 gründete Janine Jansen das Internationale Kammermusikfestival Utrecht. Ferner ist sie Co-Artistic Director des Sion Festivals. Seit November 2023 widmet sie sich als Professorin für Geige an der Kronberg Academy der Ausbildung junger Ausnahmetalente. Derzeit spielt Janine Jansen die Shumsky-Rode-Stradivarius aus dem Jahr 1715, die ihr ein europäischer Mäzen als Leihgabe überlassen hat.

Der gebürtige New Yorker besuchte die LaGuardia High School of Music and Art und absolvierte die Conducting Academy des Aspen Music Festivals sowie die des Tanglewood Music Centers. 2004 errang er den Ersten Preis beim Internationalen Dirigentenwettbewerb Sir Georg Solti, der ihm den Weg zum internationalen Durchbruch ebnete. Nach Tätigkeiten beim Cleveland Orchestra und beim San Francisco Symphony Orchestra war James Gaffigan von 2011 bis 2021 Chefdirigent des Luzerner Sinfonieorchesters, dessen internationales Profil er mit einer Vielzahl erfolgreicher Aufnahmen und Auslandstourneen schärfte.

Seit 2023 ist er Generalmusikdirektor an der Komischen Oper Berlin, wo er in der aktuellen Spielzeit Produktionen von Sweeney Todd, Le nozze di Figaro und Don Giovanni leitet. Als Musikalischer Direktor am Palau de les Arts Reina Sofía in Valencia bestreitet er nach hochgepriesenen Inszenierungen von Wozzeck, La bohème und Tristan und Isolde mit einer Neuproduktion des Fliegenden Holländers seine vierte Spielzeit. Er ist ferner begehrter Gastdirigent bei renommierten Klangkörpern wie dem London Symphony Orchestra, den Wiener Symphonikern, den Münchner Philharmonikern, der Staatskapelle Berlin, dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin, dem Concertgebouworkest Amsterdam, dem Luzerner Sinfonieorchester, dem New York Philharmonic und dem Philadelphia Orchestra.

Ebenso regelmäßig tritt er an führenden Opernhäusern auf, u. a. an der Metropolitan Opera, der Opéra national de Paris, der Wiener Staatsoper, der Dutch National Opera, der Lyric Opera of Chicago, am Opernhaus Zürich und nicht zuletzt an der Bayerischen Staatsoper, wo er 2019 mit Mozarts Don Giovanni und Puccinis La fanciulla del West am Pult stand und aufgrund der natürlichen Lockerheit und der interpretatorischen Tiefe seines Dirigats gefeiert wurde.

James Gaffigan gab diese Saison sein Debüt mit dem NDR Elbphilharmonie Orchester, geht erneut Engagements in den USA ein, u. a. an der Houston Grand Opera und beim National Symphony Orchestra, und kehrt zum dritten Mal nach seinem Debüt 2018 zum Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks zurück. Zu seiner umfangreichen Diskographie zählen u. a. Gesamteinspielungen der Symphonien von Prokofjew und Karl Amadeus Hartmann mit dem Netherlands Radio Philharmonic Orchestra, der Beethoven-Klavierkonzerte mit Oliver Schnyder und dem Luzerner Sinfonieorchester sowie ein Album mit amerikanischer Musik des 20. Jahrhunderts (mit Werken von Bernstein, Charles Ives, Ruth Crawford und Samuel Barber).